CANVAS, blog by Saatchi Art, First Look: Golden Future by Igor Bleischwitz

 

At a glance, Igor Bleischwitz’s paintings are reminiscent of the vivid color fields of Mark Rothko. But rapid paint splatters and jagged cuts interrupt the placid surfaces, revealing glimpses of other images lurking underneath. In each painting, Igor creates, destroys, and finally excavates these pictures beneath the surface, slashing through his final layers of paint to provide just a glimpse of what once ruled the canvas. 

The multitude of paint layers that have been built up and scraped away turns these paintings into historical records, registering each moment in time in the process of their creation. Born in 1981 in the Kazakh Soviet Socialist Republic, now part of present day Kazakhstan, the Berlin-based painter is attuned to the cycles of history and its currents of destruction and rebuilding. Born out of the pandemic, Igor’s new series urges us to contemplate our relationship with the past, and the collective name Golden Future suggests we view these works through a lens of hopefulness as well.

Tell us a bit about yourself and your background as an artist.

I had my first experience with art when I was a child. My hometown in the former USSR was visited by the cosmonauts very often. I was fascinated by space flight and all the space missions and started to make some collages and drawings about it. Later nature became a very important inspiration. Maybe that’s a reason why my work is often about the Unknown, a Secret, and Time.

What inspired this particular series?

The Golden Future series was inspired by the, let’s say, current issues on our planet like wars, natural disasters, the Coronavirus pandemic and other manmade crises. Hope is a very thin layer above all this.

Speaking of layers—can you walk us through your process of creating one of these paintings, from beginning to end?

The visual aesthetics of the Golden Future series exploits the tradition of Abstract Expressionism and the art of Mark Rothko in particular. The space of the canvas is filled with horizontal colorful blocks, but in contrast to the American artists, I am breaking the smooth surface by mechanically cutting [into] the paint. The technique includes the following steps: a realistic portrait or still life is created, then it gets painted over several times with solid colors. When the paint dries, the top layers are scraped off, and the original pattern begins to show through. The work is carried out instinctively, therefore the exposed fragments rarely show what was originally created.
As the complexity increases, texture and depth appear, creating the multilayer effect.

How does it feel to paint over your painstaking, realist images?

It feels very painful. A finished realistic painting is done and ready to be shown. At the same time I have this idea in my head that it is not enough. So in this moment I start to analyze which colors are significant to create a color code of this realistic motif. With these colors I paint over the [original] motif and work it out.

What does this process of hiding and rediscovering paint layers mean to you?

The process of creating works is similar to the life cycle of frescos. The drawings on the walls of ancient temples and mansions have been painted over with new images over the centuries in similar ways. Today, these antique images are carefully peeled by restorers seeking the original. On the contrary, I pay attention to all paint layers, comprehending and conceptualizing each of them, as well as the process of the artwork’s creation. Painting, therefore, turns into performance, and each stage forces me to reincarnate. I start off as the author of the image, then I turn into the vandal who paints over the work. Following that, I take on the role of a restorer, who carefully removes the later layers. Finally, like a true archaeologist, I maintain layered fragments and keep the historical stages.

You liken your process to archeology—how does your work explore our instinct for preservation?

The desire for preservation has always been the priority—nothing should be lost and forgotten, and every stage of work should be seen and understood. Oblivion means death, and fear of death is the strongest emotion that has always haunted humanity.

Bethany Fincher, curator at Saatchi Art. 

"GOLDEN FUTURE" series 

Text by Alexandra Elizarova 

 

Igor Bleischwitz is a contemporary artist from the post-Soviet states, now residing in Germany. His body of work contains different genres and techniques - from abstract paintings to ceramic sculptures, and panels. The visual aesthetics of the "Golden Future" series, which contains the author's latest work, exploits the tradition of abstract expressionism and the art of Mark Rothko in particular. The spaceo of the canvas is filled with horizontal colorful blocks, but in contrast to the American artists, Igor breaks the smooth surface by mechanically cutting the paint. The technique includes the following steps: a realistic portrait or still life is created, then it gets painted over several times with solid colors. When the paint dries, the top layers are scraped off, and the original pattern begins to show through. The work is carried out instinctively, therefore the exposed  fragments rarely show what was originally created. As the complexity increases, texture and depth appear, creating the multilayer effect. This gives the impression of the contextual and meaningful saturation of the picture - it seems to be aged. This technique is comparable to what Damien Hirst did in his work “Treasures from the Wreck of the Unbelievable”, in which he portrayed Mickey Mouse as a sunken sculpture. Both artists are engaged in falsification - they artificially give the illusion of value to objects that have no artistic significance. The process of creating Igor's works is similar to the life cycle of frescos. The drawings on the walls of ancient temples and mansions have been painted over with new images over the centuries in similar ways. Today, these antique images are carefully peeled by restorers seeking the original. On the contrary, Igor Bleischwitz pays attention to all paint layers, comprehending and conceptualizing each of them, as well as the process of artwork creation. Painting therefore, turns into performance, and each stage forces the artist to reincarnate. He starts off as the author of the image, then he turns into the vandal who paints over the work. Following he takes on the role of a restorer, who carefully removes the later layers. Finally, like a true archaeologist, he maintains layered fragments and keeps the historical stages. The desire for preservation has always been the priority for Igor - nothing should be lost and forgotten, and every stage of work should be seen and understood. Oblivion means death, fear of death is the strongest emotion that has always haunted humanity, such feeling is reflected in the art of Igor 

Cerebral and beautiful art by Igor Bleischwitz, Artfully Magazine 

Mirroring the torn posters seen all around Berlin, Igor’s work impresses a futuristic feeling, yet is inspired by things of the past such as history, ancient cultures, myths and old faiths, as well as nature and science.

The layers often expose a realist object behind the more abstract top layer. Igor sees himself as translating the nature of human life into his work.

These are mysterious artworks which take the energy of a curious mind to understand - there is a message here, but the artist is not giving much away.

Mirroring the torn posters seen all around Berlin, Igor’s work impresses a futuristic feeling, yet is inspired by things of the past such as history, ancient cultures, myths and old faiths, as well as nature and science.

The layers often expose a realist object behind the more abstract top layer. Igor sees himself as translating the nature of human life into his work.

These are mysterious artworks which take the energy of a curious mind to understand - there is a message here, but the artist is not giving much away. Perhaps some clue is derived from the series names: Utro, Gravity (left - based on the pole shift theory) and Pars pro toto both from the series "Schein und Sein", which translates from the German into ‘Appearance and Being’.Pars pro toto by the way means ‘a part or aspect of something taken as representative of the whole’

“Pars pro Toto” has been used both as the name of an artwork and as a series in which “NUDE II” and “Lily Tattoo” both show the transformation of a human body into a landscape. Because the artist paints his portraits from real life, ‘Lily’ reveals a fragment of the models lily tattoo. “ELENA” also part of the “Pars pro Toto” series is a portrait of a young woman, a “colour scale” of the person.

Igor’s unique approach has defined his style, he says “I always paint in a realistic manner. but at the same time I want to go deeper. The second step is to rework the finished piece. That means I paint over that picture again and again, so that at the end we see some fragment from the realism which was present in the beginning. These fragments are never planned, but are created intuitively”. The artists explains “The fragments in my pictures are full of information. But this information is not visible as a whole. The models I paint, I never met before. I just asked them by accident to sit for a portrait. That situation is actually a fragment itself. The fragments are also a kind of meditation on and in the colour surfaces which are always painted horizontally. A horizontal line or stripe symbolises landscape, a line between earth and sky, motion, flow. Like the flow of time and all the fragments of the past in it”. “The abstract top layer colours come from the subject underneath, for example I might paint a portrait and see wonderful red on the lips, blue in the eyes and maybe green because the model loves green shoelaces”

Igor remembers one of his best reviews was of his first solo exhibition: the writer totally understood the whole concept without any interview with him, a wonderful moment.The artist graduated from the Hochschule für Kunst, Design und Populäre Musik in Freiburg im Breisgau, Germany in 2011, and has had many solo and group shows. His works are in several private collections in countries such as Germany, Great Britain, the USA and Switzerland.

The artworks are deceptively large and so are an attractive option both from a visual and a cerebral standpoint.

"Krapfen zum Wein" von Hans-Dieter Fronz, Badische Zeitung

 

Das Landschaftsbild als Farbfeldmalerei? In Igor Bleischwitz’ Bildserie "Deutsche Landschaften" in Öl erinnert allenfalls die Aufteilung des Bildfelds in waagrechte Farbstreifen, die an ihren Begrenzungen die Horizontlinie evozieren, an die traditionsreiche Bildgattung. Anders Adriana Donners dunkeltoniges großformatiges Gemälde in Acryl, das sich auf den ersten Blick als stimmungsvoll verfremdete Landschaft zu erkennen gibt.

In der Reihe "curator’s choice" des T66 Kulturwerks in Freiburg stellt Dietrich Schön mit Igor Bleischwitz und Adriana Donner "2 Berliner" vor, so der Titel der Schau. Natürlich gab es bei der Eröffnung Krapfen zum Wein; so kurz nach Fasching lag das kulinarische Wortspiel nahe. Anders als Igor Bleischwitz ist Adriana Donner in Berlin geboren, wo sie nach einer längeren Zeit in Bulgarien heute wieder lebt, während Bleischwitz aus Kasachstan stammt. Beide Künstler haben in Freiburg an der Hochschule für Kunst, Design und Populäre Musik bei Dietrich Schön Malerei studiert.
Igor Bleischwitz’ Landschaften in Öl sind unsichtbar; durch Übermalung hat sie der Künstler unserem Blick entzogen. Dasselbe Verfahren wendet er auf seine kleinformatigen Porträts an. Für die sitzen ihm Menschen, die er auf der Straße anspricht, Modell. Selten sind hier und da noch flüchtige Gesichtspartien zu erkennen: zwei Lippen, eine Hautpartie, der Ausschnitt eines Tattoos. Die Anmutung dieser minimalistischen Gesichtsfragmente ist frappierend; man möchte von einem extremistisch zugespitzten Bacon sprechen. Lugt dich gesichtslos ein Auge an... Freilich stützt sich die Beobachtung auf den Katalog, der andere Bilder der Serie als die in Freiburg gezeigten bietet. In letzteren fehlen die Horrorpartien – man müsste sie denn mit der Lupe suchen.
Mit den das Gesicht verdeckenden horizontalen Farbstreifen in Himmelblau, Rosa oder Violett wecken die Bilder ihrerseits die Assoziation von Landschaften. Die Wahl der Farben soll dabei dem Charakter der jeweiligen porträtierten Person entsprechen. Öfter brechen diagonale Farbsetzungen die meditative Ruhe der gleichförmigen Farbfelder auf, durchqueren oder -schießen sie wie Vogel- oder Düsenflug. So gesehen, offenbart sich Igor Bleischwitz’ Glaubenssatz "Die Kunst wird siegen" als Bekenntnis zur Autonomie der Malerei.

"Joel" von Adriana Donner ist kein Porträt. Dafür ist die in legerer Sommerkleidung von oben rechts ins Bild schreitende Figur zu wenig bildbestimmend – mehr ein figürlicher Rettungsanker der in informelle Farbnebel zerfließenden Formen des Bilds. Joel geht im Licht der Sonne, sein Schatten fällt dunkel in den Bildvordergrund. Wie um der Auflösung der Bildszene in eine Farbsinfonie zu wehren, sind die Konturen des Schreitenden durch andersfarbige pastose Farblinien festgehalten. Ähnlich verhält es sich in der Szene einer Gasse in "Venedig", die die Tendenz zeigt, psychedelisch zu zerfließen. Auch hier behaupten sich die Figuren und Dinge dank einer Schutzhülle gleichsam zeichnerisch gemalter Konturlinien.

Virtuose der Unschärfe: Werke des Malers Igor Bleischwitz in der Freiburger Galerie Foth.

Von Hans-Dieter Fronz, Badische Zeitung

 

Ein Speer, okay – aber wo sind die Bilder? Igor Bleischwitz ist Maler, das weiß man in Freiburg und Umgebung seit einigen Gruppenausstellungen und einer Einzelschau im Kunstraum Foth. Dort ist er auch jetzt ausgestellt – und verspricht dem Besucher "Heilige Pausen". Hat er die, schöpferisch, selber eingelegt? Eine vollkommen leere Ausstellung analog zur klingenden Stille von John Cages "4.33" wäre ja auch mal eine Idee. Die Ausstellungen im Raum Freiburg waren die ersten des jungen Malers (Jahrgang 1981), der aus Kasachstan stammt und von Freiburg, wo er zu malen lernte, nach Berlin zog. Einer mit Ambitionen muss heute dorthin. Und Igor Bleischwitz hat Ambitionen – berechtigte.

All das mag mitschwingen, aber die selbstironische Brüchigkeit der notdürftig aus Holzlatten gebastelten urzeitlichen Waffe weckt im Verein mit den anachronistisch kombinierten Materialien zusätzliche Assoziationen. Und macht das Werk nur noch interessanter. Mit einem orangeroten Seil aus dem Baumarkt hat Bleischwitz die Latten zusammengebunden, die umgeknickte Spitze aber, die dem Wurfobjekt Standfestigkeit verleiht, ist aus Kupfer. An der Eisenzeit vorbei fühlen wir uns in die Kupferära zurückkatapultiert.
Und dann sind da doch noch Bilder – die sich jedoch, gemalt auf handtellergroßen Sperrholzblöcken, auf scheinbar gähnend leeren Wänden verlieren und leicht übersehen lassen. Schon klar, für einen aufstrebenden Künstler, der auszog, die Kunstwelt zu erobern, und große Formate bevorzugt, ist ein Bildertransfer von Berlin nach Freiburg ein gewisser Aufwand und eine Investition. Die minimalistischen Formate, ein aus der Not geborenes Understatement, passen dagegen in jede Reisetasche.

Vor allem überzeugen die Winzlinge malerisch. Ein paar ionische Säulen oder ein Beinpaar, ein Baum oder ein Gesicht: Realitätssplitter, Fragmente, schier jedes Sujet ist angeschnitten wie die schwarze Katze, der der Bildrand den Kopf abgetrennt hat. Und jedes Bildchen, je undeutlicher, vieldeutiger das Motiv desto beharrlicher, wahrt ein Geheimnis. Als Virtuose der Unschärfe verleiht Bleischwitz der Phantasie Flügel.
Im Nebenraum dann doch noch, drei "richtige" Bilder: mittlere Formate. Schwer zu beschreibende Glücksfälle fürs Auge, die bestätigen: Diesen Künstler sollte man auf der Rechnung haben. Und nicht aus den Augen lassen.

"In Farbe getränkt"

Tinatin Ghughunishvili-Brück
Kunsthistorikerin M.A.

 

In der zeitgenössischen Malerei wird die Wahl des Bildmotivs als einer der wichtigsten Indikatoren für die künstlerische Positionierung des Schaffenden betrachtet. Das Motiv eines Kunstwerkes ist der Titel seiner komplexen Geschichte, in gewisser Weise das Unterbewusstsein des eigentlichen thematischen Gegenstandes. Die Komponente, sowie der Entstehungsprozess der einzelnen Werke lassen sich lediglich erahnen. Der Weg von einer Idee zum „konkreten“ Bild, oder von der weißen Fläche bis zu einer Komposition in Farbe und Form ist ebenfalls sehr subjektiv. Diese Diskrepanz eines Kunstwerkes zwischen einer intimen Substanz und einer öffentlichen Bestimmung ist der Grund seiner immensen Wirkung. Das Spektrum dieser Wirkung reicht von Faszination bis hin zum Unverständnis oder gar Abneigung.
Igor Bleischwitz dämpft diese Intimität in seinen Arbeiten durch die Autonomie und Intensität der Farbe. Aufgrund ihrer räumlichen Präsenz, ihrer greifbar-satten Struktur und ihrer Materialität kann die Farbgebung seiner Gemälde als monumental bezeichnet werden. Die außergewöhnliche Farbdominanz wird hier eingesetzt um die Subjektivität des Kunstwerkes zu verschleiern. Auf diese Weise wird die Aufmerksamkeit von einem Gemälde im Speziellen auf die Ausdruckskraft der Malerei im Allgemeinen gelenkt. Ein ambitionierter Weg und eine außergewöhnliche Leistung.
Die Gemälde von Igor Bleischwitz deuten eine Verbindung des abgeklärten Neoexpressionismus mit den surrealen Szenarien an. Die Auflösung der Formgrenzen und eine mäßige Deformation zu Gunsten der Verschmelzung des Gegenstandes mit seiner Umgebung charakterisieren die Formsprache dieses jungen Künstlers. Vergeblich sucht man nach Relevanz oder Vorlieben. Die pastöse Materialität des sterblichen Fleisches à la Chaim Soutine wird von Igor Bleischwitz mit ähnlicher Eindringlichkeit gezeigt wie die ätherischen Landschaften des Geistigen seiner Bilder.
Diese spannende Gleichberechtigung zeichnet einen authentischen, suchenden Künstler aus, der den Betrachter immer aufs Neue zu überraschen vermag.
Es ist uns eine besondere Freude, die Werke dieses jungen, erfolgreichen Künstlers einem breiteren Publikum zeigen zu dürfen.